关于现代美术和后现代艺术从时间上判断，史学家曾有这样的结论：1900年到“二战”后的一段时期为现代，再后到现在为当代，而“后现代”一词则是20世纪70年代以来把一种脱胎于旧风尚的新美术冠上“后现代”的概念，它与“后工业时代”的说法有密切的关系。作出这样的结论是出于对欧洲和美国政治、经济文化变化的相应阶段而定。探讨当代美术的发展脉络，我们可以从时间先后以及特征上对其涵义进行分析。
一、20世纪30至70年代
30至70年代的五十年里，从马蒂斯到毕加索、米罗、克利、康定斯基、杜尚的三四十年，是现代主义美术发展的最繁荣时期，这时的现代主义的大师追求的不再是拷贝自然，而是表现画家们的内心自然，从各自作品的形式上看，虽然风格各异，但都与传统美术相关，分析起来它们的特征都包含以下几个方面的因素：
物理性的（作品的尺寸、材料）
主题（抽象、具象）
内容（抽象、透视、幻觉、视觉、能力）
形式（图形、线条、色彩）
观者（凭经验）
50年代是欧美美术流变最剧烈的时期，那时的美国经济突飞猛进，美国向世界输出其民主价值观；他们有目的投入巨额资本，收购符合其价值观的艺术作品。巨额资金的投入，政治上的优越地位，使得欧洲的艺术中心地位被美国取代。美国画家德·库宁、杰克森·波洛克等就是这一时期抽象表现主义的代表。抽象表现主义绘画的最大特征是反复修改画面，通过画家与画面的不停接触，从而与作品形成对话，从此意义上讲，艺术家成为画作的一部分。从这方面看，说他们是“行动画派”极为适合。
60至70年代是流行艺术的年代，经济、政治上的繁荣直接反映在意识形态上，流行艺术为其作了最好的解释。流行艺术的特征体现在形式的多样性、题材手法上的不断翻新、画幅尺寸上的越来越大，内容上的特点是生活的直接性和艺术与非艺术的混淆性。从文化上说，流行艺术是对美国商业文化、政治民主的一种反映。流行艺术的艺术家一直醉心于加工处理社会中最常见的生活垃圾，如最常见的流行图像、广告、电影明星图片、竞赛场上的骚动场面等。像罗伯特·劳申伯格、安迪·沃霍尔、贾斯帕·约汉斯都是主要的参与和倡导者。
现代主义美术从30年代到70年代的五十年中经历种种变化，其流派之多、绘画形式的繁杂都是历史上少有的。美国将抽象表现主义作为文化侵略的武器，随后又将最低限度的抽象艺术和色面绘画推销到全世界。这两种将现代主义发挥到极致的绘画是典型的晚期现代主义。实际上70年代的流行艺术在其艺术与非艺术的混淆性上已具备了后现代美术的特性，要全面把握它的发展脉络，可以通过三方面去分析：
1.对色彩的分析。从上个世纪中叶开始，绘画变成了一种自我表现的形式，艺术家不再是面对现实，而是面对自己、面对绘画的方法。如抽象表现主义的绘画，现实中的色彩变得不重要，重要的是画中的色彩。在他们的画里，色彩成了第一要素，色彩既是形式也是内容，他们关心的只是画布表面和画面上颜料的性质，换句话说，绘画的语言可以被削减到仅仅是色彩和图像的关系，仅这一点就可以是绘画存在的所有理由。从另一方面说，色彩可以脱离画面的具体内容，那么也可以脱离绘画者的行动本身。既然色彩在绘画中由不同构图表达的意念是无关紧要的，那么使用色彩的目的也只是纯粹为了
美容化妆而已。由于对传统的绘画，特别是超现实主义绘画中色彩的功用性和价值性的批判，导致了“至简主义”绘画的出现。
2.对形与空间分析。传统绘画中，形作为绘画的第一要素持续了相当长的一段时间，到了当代，绘画中形的意义已变得无关紧要，虽然有些绘画中仍有图形、空间存在，但这些图形，空间可能是自发的，非目的的。如波洛克的画，观众所感到的图形、空间是一种虚幻的，非具体的，不确定的。而象征的形与空间，也许来自无意识，与对外在世界的知觉、联想并无关系，但是我们仍然可以体会到画中的四个层次：主题、空间、外延、扩张。我们几乎从大部分抽象表现主义绘画中仍然可以寻找到来自欧洲绘画传统中的某些东西。
3.对作品材料的分析：当代西方艺术作品的材料比传统的材料丰富了许多，作为作品的媒介，它得到了极大的扩展。如在劳申伯格手中，一切东西都可能成为作品的材料——这也是后现代美术的重要特点。流行艺术家通过对生活垃圾的巧妙组合、拼装，构成了一种对现代社会现象的曝光。就其涵义而言，它是一种时间性、矛盾性、具象性和抽象性的混合物。它与抽象表现主义和传统艺术强调个人情感的抒发不同，它们的艺术原则是冷漠，是对抽象表现主义和传统绘画材料的批判，甚至是对艺术本身的批判。
二、80至90年代
80年代的主流绘画是新形象绘画、新表现主义和超前卫主义。从流行艺术到概念主义的形成，几经变化，到了80年代已是疲惫不堪了，概念主义把绘画带进了死胡同，装置艺术取而代之唱了主角。新形象绘画、新表现主义、超前卫主义绘画的共同特点体现为形象的象征性、内容的寓言性和表现的隐喻性，此外这些艺术中还体现着一种麻木的折衷主义，喜爱东拼西凑的模仿和将历史的东西杂烩在一起，活像一个艺术史的标本盒子，是典型的文化表面化、样式化的东西。90年代，现代主义者们的美术中出现了“影像”这个字眼，事实上现代主义在70年代中期就已停步了，后来有所恢复。其后是新表现主义、再后是现代艺术。绘画从“至简”走到“具象”已有了后现代绘画的隐喻、象征的内涵，80年代中期至90年代又转向了理论，他们又开始讲观念了。对于这十年中美术的变化，从表面上看远没有前五十年的变化激烈。但90年代末期的出现的“影像”值得思考。80年代的新表现主义想新瓶装旧酒，而90年代的新几何主义则像旧瓶装新酒。从总体上看，80年代是宣言性的，而90年代是对话性的。对于后现代美术的发展我们也可以对其涵义作出这样的分析。
1.对思想上象征性的分析。过去传统绘画是外界对画家的某种启示，而现在是画家从自己的头脑中形成画面，因而多种观念便产生了。杜尚、塔皮埃斯，就是这样的人，既是思想家，又是艺术家。因此，两种全新的艺术和传统的艺术彻底分开了——流行艺术和后来的概念艺术都属于这两种艺术的范畴。
2.对善与恶复杂性的分析。传统绘画对善恶的表现是清楚的：或是表现善，或是通过表现恶激发善。但是这种善恶情感在当代绘画中变得十分模糊，艺术家们常常处于情感与思想的对立中。
3.对制作、媒材的分析。90年代后期，影像技术、多媒体技术、网络技术的革命给人们的生活乃至艺术都带来了强烈的冲击。传统艺术从古典、现代到当代，从来没有离开过手工制作这一环节，而这种固守了千百年的传统观念在数码时代被打破。影像与艺术的关系表现为两个方面：一方面是影像以成品形式进入当代艺术；另一方面作为一种视觉资源和媒介技术手段为当代艺术家所借鉴和挪用，成为绘画、录像、装置等艺术样式的图像来源或技术与视觉的结构因素。
通过上述分析，我们可以比较清楚地看到现当代艺术的种种涵义，它既有现实的，又有传统的；既有形象的，又有抽象的；既有隐喻的，又有象征的。这种复杂的情况就是当今世界的艺术现状。有人认为现代艺术已经走到了尽头，而且认为现代艺术运动本身就是堕落。不管情况如何，现在下结论还为时过早。从美术发展史的角度看，进入工业社会后，一种思潮、一个画派的兴起和衰落相隔的时间一般为五十年，而现代主义美术运动发展至今已有近百年，从塞尚决定“面对自然实现他的感觉”的时候算起，它一直向前走着，尽管有偏激的地方，甚至在当代美术中有不少低俗的东西，但总体上还是为消除人类精神的堕落作出了巨大的努力。
